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戏剧形式千变万化,情感共鸣仍为动人基础

字号+作者:丁卯 供图/乌镇戏剧节 来源:北京青年报 2017-10-31 11:33 我要评论() 收藏成功收藏本文

原标题:形式千般变化 情归动人之处 本文作者:丁卯 供图/乌镇戏剧节 《如果墙能说话》 《西方社会》 2017年第五届乌镇戏剧节的24部邀请'...

  原标题:形式千般变化 情归动人之处

    本文作者:丁卯 供图/乌镇戏剧节

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    《如果墙能说话》

    《西方社会》

    2017年第五届乌镇戏剧节的24部邀请作品,涵盖13个国家,提取经典、女性、影像、肢体作为四个主要演出单元。无论是经典排演,或是偏重女性视角的作品,影像与肢体作为两种表达媒介,高频、交叉地出现在多部作品之中。这种弥漫、集中式的展现,一方面让我们意识到,在当下表演艺术的发展中,影像已不单纯是丰富舞台呈现的手段、拓展表演时空的方式,它可以是剧中的角色、工作方法,甚至是表演本身。然而无论如何,作品的观感依然最终取决于创作者对这些媒介调用的方式与细节。

    另外,此次乌镇戏剧节中出现了大量偏于个人,甚至私人化的作品,这让我们再次思考个人叙事与大众感受之间的矛盾关系。

    个体化:在剧场里分享私密感受很“冒险”

    来自黎巴嫩的《在云端》和德国的《生动的肖像》均由一个演员完成演出,两部作品在观感上更接近一场具有表演元素的演讲。《在云端》讲述的是导演拉比·莫如的哥哥亚瑟的故事:他在黎巴嫩内战期间被子弹击中头部,大脑受损,丧失了一部分行动、语言和思维能力。在65分钟的表演中,观众看到了亚瑟展示自己拍摄的视频、录制的音频,分享承受战争伤痛的个体生命的经历,以及他如何面对自己的过去。

    同样的演出时长,《生动的肖像》则由摄影师沃尔克·格林向观众展示他在欧洲旅途中制作出的小型翻页书。它由12秒36帧的速度拍摄的照片制作而成,记录了格林在旅途中捕捉到的人物表情,配合翻页动画,他讲述与这些人物相遇的故事,这让观众捕捉到了日常节奏中不易把握的生动。

    来自巴西车库剧团的《水渍》虽然看起来极富诗意与隐喻色彩,但叙述视角其实也极度个人化。作品讲述了一个叫劳拉的中年女子,有一天在自家花园里看到一条大鱼,随着大鱼从手中滑落,劳拉跌落水中,爬起来的时候,劳拉脑袋上顶着一个水桶,自此作品通过闪回式的叙述,让观众看到了劳拉的创伤——父亲溺水身亡,劳拉脑部受伤接受手术。演出的大部分时间里,演员都通过与水的互动完成表演。由此,剧中以水位上升漫过意识形容劳拉患有脑积水的疾病状态,也以舞台化的语汇让观众看到。

    这种对个体伤痕生理化的阐释,让这部作品对个体的叙述更具有说服力,但与它形成真正的情感共鸣,依然对观众的经历、情感库存提出了要求。

    纪录剧场:对表达真实的焦虑

    当下,戏剧艺术看似不断在形式上花样翻新,却也流露出对表达真实的焦虑。上述作品极度个人化的叙述角度,实际也是试图通过与观众进行更加私密的对话,让观众更具体地感受到作品与自己相关。这种焦虑的另一种存在方式,是近几年逐渐被介绍到国内并落地发芽的纪录剧场。

    近年国内出现的纪录剧场作品大多偏重于社会边缘题材。相比而言,这次乌镇戏剧节的《裁·缝》,可谓是一次温情的补偿。作品讲述普通人老顾的一生,她伺候丈夫半辈子突然崩盘,主动提出离婚,之后又对儿子隐瞒,儿子与儿媳感情也不断波折,一家人感情的分分合合,看起来都是日常琐事,但无论是剧本还是舞台呈现,都在细节处拿捏着力,以非常具体的文字、表演,向观众传递人物的情感状态。比如当老顾表现自己的人生无法选择时,抱怨“我的选择只有超市里洗衣粉的价格”,这样的细节,会让观众真正感受到创作者对自己记录对象的尊重与用心。

    英、德两国艺术家组成的大嘴突击队剧团带来的《西方社会》,代表了另一种对表达真实焦虑迎面而上的机智。作品开场通过计时屏幕迅速将舞台场景从远古拉到当下,继而通过一场现场举办的客厅沙龙聚会,讨论西方家庭社会生活的方方面面。虽然演出邀请7名观众上场,增加了即兴色彩,但真正让这部作品与真实相关的,是剧团成员在表演过程中不断的提问,比如互相质疑“我们现在到底在干什么”,或是给对方提出有关私生活,或有关时事、事物喜好的选择题。即使这些问题也是提前设置好的,但这得以让观众时刻意识到这场演出发生在此时此刻,同时看到演员对自己作品所涉及问题的态度,这实际更像是一场精妙的自我解剖,剧场可以造假的天性反而给予了他们自由讨论的安全空间。

    来自澳大利亚位移剧团的《如果墙能说话》,以马戏的形式呈现生命的片段。马戏演员技巧之精湛自不必说,重要的是如何编织并最终将作品中的情感通过有力的身体传递给观众。与近年来偏重于讲故事的国内肢体剧场作品相比,这部作品有一个鲜明的优点,将对叙事情节的单纯肢体演绎,转化为演员通过一种提示性的动作叙述故事,比如表现老人健忘的方式,是让她反复往杯子里头倒咖啡,让观众感受到记忆的流逝与境遇的转变,将完成场景想象的工作交由观众完成,乐趣更多。

    女性立场:解构原典或者直观呈现

    影像作为当下剧场作品中几乎无处不见的元素,在此次戏剧节的作品中,得到了方方面面的展示。

    戏剧节闭幕作品《影子(欧律狄刻说)》,在剧场完成了一次行云流水的影像拍摄,让我们意识到剧场表演与影像结合的魅力,最终还要依赖观众在剧场中对影像创造纹理即电影拍摄过程的见证与分享,这实际也是一次对造假技艺的现场考验。导演凯蒂·米切尔三年前带来的《朱丽小姐》曾掀起一阵观众对影像进驻剧场的焦虑,这次的《影子》选取耶利内克近年的新作,从欧律狄刻的视角重述这个希腊神话。在这版故事中,欧律狄刻变身为一位作家,在其伴侣、流行歌星俄耳甫斯的光环之下,找不到任何写作的方向与自身的存在感。最终欧律狄刻拒绝俄耳甫斯的搭救,选择留在冥界成就自己的写作之路。《影子》可谓是对此次戏剧节影像与女性主题的双重呼应,欧律狄刻明确拒绝的行动,标明了创作者对女性生命的观照立场,而这部作品对现场拍摄调配的速度之快,加之公路电影元素的嵌入,让观众全程追随欧律狄刻的情绪变化,得到技术与情感上的双重满足。

    相较而言,澳大利亚乌合之众剧团的《圣女贞德》,更像是有关女性主题的宣言。作品缺少明确的情节编织,而是主创将自己对贞德印象式的理解,通过四位女演员的身体、语言展现出来。在90分钟的演出中,前60分钟没有任何台词,演员们不断下跪、双手向上,或是重复性地扑向干草火堆,昏暗的灯光依次划过演员的身体,由此不断强化贞德的圣洁与勇敢。到了最后30分钟,四位女演员分别以光、身体、火、灰烬为主题,面对观众进行宣言式的演讲。这种偏于表象、直观的呈现,固然让观众更易理解主创的立场,但相比于剧中女演员男性化的反抗姿态,观众可能更希望看到对贞德生命体验的当下阐释。

    经典剧作:仍有巨大的阐释空间

    万花筒般的表演艺术世界,并不意味着经典作品就会黯然失色,如何排演、阐释经典,才真正事关观众的当下认知。此次乌镇戏剧节的开幕作品《叶普盖尼·奥涅金》及《海鸥》,都是对19世纪文学作品的舞台呈现。两部作品的导演中国戏剧观众都不陌生,而两部作品演出刚过就获得大量好口碑,正在于表演艺术对经典剧作阐释上巨大的空间与长久的魅力。《奥涅金》导演里马斯·图米纳斯对于在舞台上难以传递的情绪有着诗意的想象,比如死亡。在他此前带来的《假面舞会》的结尾,当阿尔别宁在尼娜的冰淇淋里下了毒,尼娜死亡的展示过程,是她走上转台旋转,动作逐渐停止,最终化为替代维纳斯的一尊雕像完成的。在《奥涅金》中,连斯基决斗被杀后在雪花中静止的姿态,或是剧中芭蕾舞女的表演编排,女主角塔季杨娜与熊的舞蹈,导演对于作品字里行间留白之处,或是情感余韵的视觉化想象与创造,正是表演艺术的魅力所在。

    奥斯卡·科尔苏诺夫导演、OKT剧团的《海鸥》,在几乎褪去一切布景装饰的空间,让我们见识到了表演艺术真正的能量。即使是将作品从诞生的逼仄小型空间搬到室外大剧场,OKT剧团的演员依然能够自由地调整、拿捏表演能量,保持观众时刻被纳入演员的表演情境之中。当演员不下台、演员与角色扮演关系游戏化成为当下的一种流行现象时,这版《海鸥》对演员与角色之间关系的处理方式,起到“正视听”的示范作用。坐在舞台一侧的演员时刻保持与台上的角色处在同一情境、体验角色的情感,演员不断提示观众自己是在做戏(比如第三幕开场时,玛莎用力吸洋葱以呼应剧中流下的眼泪),但又随时能够让观众对角色的情感感同身受,一切的跳入跳出都是表演过程中发生,观众得以真正从演员与角色两个角度接收作品所传递的丰富情感。

    对于中国戏剧创作者和观众来说,十一天超过百场演出的乌镇戏剧节,看似眼花缭乱,实际最后联想到的都是困扰剧场艺术发展的永恒问题,万花筒般的形式并不能帮我们看清剧场艺术发展的方向,记住那些与我们相遇、相关的作品,找到情感与理智共鸣的真正原因,才能让我们理解其真正的动人之处,并最终在看似已经毫无边界的剧场、表演艺术中,找到真正具有突破条框、超越当下的创作方式。

 

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